早上還在九龍寨城公園衙門裡聞到冰室塑膠杯與跌打藥酒混在一起的味道；下午已經走進警察局的「雜差房」，被港式警匪片的光影與槍聲包圍；來到西九龍，一定要去感受南韓藝術家李昢30年來橫跳在烏托邦與廢墟之間帶來的心靈震撼，再去香港故宮看紫禁城如何把世界「映」在牆上。這是一條九龍區最會說故事的夏日藝術路線，印證了九龍不是只有購物和茶餐廳，也是真正的沉浸式藝術展場；「Only in HK」不是口號，而是貨真價實在香港才能有的體驗。
早上還在九龍寨城公園衙門裡聞到冰室塑膠杯與跌打藥酒混在一起的味道；下午已經走進警察局的「雜差房」，被港式警匪片的光影與槍聲包圍；來到西九龍，一定要去感受南韓藝術家李昢30年來橫跳在烏托邦與廢墟之間帶來的心靈震撼，再去香港故宮看紫禁城如何把世界「映」在牆上。這是一條九龍區最會說故事的夏日藝術路線，印證了九龍不是只有購物和茶餐廳，也是真正的沉浸式藝術展場；「Only in HK」不是口號，而是貨真價實在香港才能有的體驗。
這個夏天比往年都炎熱，但我推薦你飛一趟香港，走進九龍的光影四重奏，在老衙門清涼的陰影中，感受九龍城寨的呼吸與心跳，走進冷氣房感受香港電影獨有的差館風景、藝術家群聚M+帶來的視覺震撼，以及香港故宮為紫禁城打造的通景畫投影。一天之內，我們從草根到帝王、從無政府到絕對秩序、從冰室塑膠椅到奢華皇宮，感受九龍最會說故事的夏日藝術路線。
如果說「九龍城寨光影之旅」有一根主心骨，那肯定是美術總監麥國強（Kenneth Mak Kwok-Keung，1972年生於香港）。他就是那個你在大銀幕上看《葉問》的武館木梁、《十月圍城》的清末街景、《智齒》的九龍濕冷水泥時，背後安靜搭骨架的人，也是那位把九龍城寨「長」回來的人。
麥國強畢業於香港的李惠利工業學院設計系，之後修讀城大建築研究課程，1997年從《神偷諜影》美術設計入行，一路靠手感、材料記憶和營造香港街景打磨出來。他不是讀書讀出來的那種「美術指導」，而是蹲在片場地上聞到鐵鏽和灰漿，才知道一堵牆該怎麼砌的那種。
他拿過好幾屆香港金像獎最佳美術指導（第29屆《十月圍城》、第40屆《智齒》、第43屆《九龍城寨之圍城》，與周世鴻共享），加上亞洲電影大獎、新加坡金獅大賞，光看得獎資歷可能你還沒有感覺，真正有意思的地方，是麥國強對城寨的態度。
「我想表達九龍城寨另一種生命力及希望。當年他們用盡方法不停擴建，不管要拆、要強佔，生活條件那麼差，每個人都能找到自己的方法，逆境求存。」麥國強曾在受訪時說。所以他重建城寨的方法本身就是敘事，沒有施工圖，連當年的一根木頭也沒有，他就用老照片、口述記憶、殘存地磚紋理、水管走向的影子，去「逆推」城寨的生長邏輯。
色調上他選了淡藍＋淡綠的Steam Punk粗獷底色，再加入米黃／啡褐的茶檔暖調，他要的不是還原一張明信片，而是還原一種「住過人的粗糙感」，讓你走進去就自動把聲音壓低，然後雙眼不由自主地被每個細節吸引。
與他並肩的周世鴻（Ambrose Chow Sai-Hung）同樣出身動作片硬核美術線，從電影《殺破狼·貪狼》、《葉問4》一路打下來，他的長項是動作空間的節奏感：他看演員打鬥怎麼走位，就知道巷子要做多寬、樓梯該轉到哪裡才會「對」。兩人合體的結果，就是你在城寨衙門裡踩過的那條窄巷，這些不只是佈景，是物理空間在對你施壓，讓你瞬間進入情境。
兩強聯手的結果，當你走進「九龍城寨光影之旅」，會看到什麼？
我第一次進去看展的時候十分震驚，這個老衙門跟我以前來訪時完全不同了。入口大堂那塊廣東式傳統花牌是迎接遊客的第一道儀式，走到後進，上方掛著「九龍城寨」四字的鐵牌坊，幾何鏤空偷師80年代唐樓防盜鐵閘的語言：冷硬、重複、功能性十足，卻莫名有種裝飾性的驕傲，然後是帶著聲音的場景群，一間一間咬住你所有的注意力：
1.七記冰室：吊扇、塑膠椅、檸茶色的光。麥國強特別選了米黃＋啡褐＋橙暖做茶檔主景，「希望給觀眾更接近第一人的角度看這個城寨內的世界」，是「辛勞一天食碗叉燒飯、同居民一齊睇電視笑」的溫暖感。
2.龍城髮廊：電影主角之一的龍捲風雖是武林高手，卻甘願隱身在這間理髮店內。鏡面與捲髮夾的秩序，暗示著：「就算住在水喉林立底下，人還是要把自己弄整齊」。
3.士多／跌打館：幾平方呎的空間裡堆滿瓶裝汽水、涼果、調味料，看起簡陋卻是城寨居民的「百寶箱」；跌打館裡藥油＋舊報紙＋暗黃燈管，帶來的是那種「痛是日常的，但有人幫你敷藥」的安全感。
4.魚蛋工場：電影主角陳洛軍落難九龍城寨，找到的第一份工作就是做魚蛋（台灣稱魚丸），光影模擬鍋裡冒出的蒸氣，讓看客感受到九龍城寨不是只有「江湖」，它也有溫暖的人情味。
5.牙醫診所：有人調查過，九龍城寨內有高達150多家無牌牙醫診所，這些診所設備簡陋，卻是許多基層市民求診的唯一途徑，即使九龍城寨逐漸納入管理、人們陸續遷出後，仍然為市民提供廉價的牙科服務，成為城寨內依舊興旺的行業。
6.窄巷內街：電影美術指導模擬九龍城寨自給自足的場景，窄巷旁小店林立，裁縫舖、修鞋檔、舊電器維修店、啤膠廠應有盡有，工匠們憑本事討生活，小作坊日夜運作，整個城寨就像一座大型加工廠，轟隆隆地發出聲響。
7.城寨光影天台：大型螢幕不斷播放九龍城寨的日與夜，特別音效完美複製了當年飛機低空掠過城寨的聲浪。這是最深刻的空間暴力，頭頂的那片天空從來不屬於九龍城寨，卻決定了它的噪音、陰影與永遠的半合法命運。
8.水井：它站在窄巷中像一個沉默的法官，城寨的法律從來不是哪個政府頒的，是誰能找到乾淨水源、誰能共用一根水管。
從展覽走出來時外頭是乾淨的公園草地，散步遛狗的居民，回頭再看一眼那塊慶賀神誕節慶的傳統花牌，耳邊還迴響著各個電影場景的聲音，有一秒鐘會有些恍惚，不知道剛才是時光機，還是九龍城寨一直都在，只是換了衣服。
九龍城寨光影之旅（電影場景展）
西元1922年落成的舊油麻地警署，是一座英皇愛德華時代由紅磚與弧形拱廊構成的戰前建築，類似這樣的老建築，在香港已經相當稀少。這座舊警署像一位沉默的演員，它的外觀被拍過無數次，電影《無間道》、《童黨》、《PTU》那種「差館門口＝江湖分界線」的場面調度，很多都借過它的輪廓。
這次香港文創產業發展處找來電影專業人士，包括美術指導與幕後團隊重新入場，做的是一件很特別的事情，他們不拆除真建築、不刷牆、不改用途，而是讓電影美術指導在真差館（警察局）裡面重新建構一個假差館，讓真假同框，營造出一種「假作真時真亦假」的虛擬情境。
你從懷舊戲院入口走進去，會先進入一個光影空間，這個空間本身就是個敘事閘門，用無數個香港電影經典鏡頭和大明星的身影，讓你跌入光影世界，重溫那些耳熟能詳的賣命動作、鬧市追逐和狂飆飛車的警匪電影片段，當電梯門打開時，一座具體而微的真實「雜差房」出現在眼前。
檔案櫃、茶水漬痕、鐵櫃上貼的紙條、椅子歪的角度、牆上某種「不知是水漬還是血漬」的深色印記（放心，是道具），不只騙眼睛，還讓你不自覺把聲量放低、貼著牆走，像怕驚動一場突擊，也怕突然冒出哪位阿Sir找你麻煩。
你可以試著坐在精心布置的每個位子上，注視滿牆的監視器，找出犯罪的蛛絲馬跡，或拿起以假亂真的槍械，展現自己持槍的英姿，或模仿經典港片中隔著單向玻璃指認嫌疑人的橋段，當然，你也可以坐到長官辦公桌前，耍一把資深阿Sir的威風。這些場景的賣點是：把警匪片的「酷」拆開給你看內臟。
最厲害的是，舊台式電腦裡還會自動跑出梁朝偉在電影《無間道》裡飾演的臥底警探陳永仁的機密資料，呼應劇中情節，電腦裡的檔案居然在看過後會自動刪除，自此以後，電影裡的陳永仁成了棄子，也是悲劇的開端。回過頭看到矗立場中央的攝影機與那把空著的導演椅，才恍然自己身在片場。
為了幫遊客的差館體驗留下紀念，警署後方的一間間拘留室，現在置入了一台台AR機器，透過AR體驗與多媒體造景，讓我們親身走入警匪片的經典場景。只要掃碼拍下照片，就可以把自己的臉孔代入騎著重機的香港交警，甚至變身為《無間道》裡的梁朝偉和劉德華。當你出來走到廣東道，熱浪與對街惠康超市的復古霓虹招牌同時撞上來，你會發現，剛才那個差館沒留在館內，它跟著你一起出來了。
油麻地警署光影之旅
2026年的M+非常精彩，剛剛看完「坂本龍一｜觀音·聽時」，感受已故音樂大師坂本龍一與高谷史郎共同創作的場域特定裝置《async-immersion》（2023）把「音樂變成空間」；B2展演空間那個巨型LED構圖＋環繞聲場，讓人感覺聲音不是「播出來」的，而是一種具體的體積。整個展有一種「生命最後一次校準音色」的肅穆，卻又不擺高冷架子的親近。
首次走出日本的「設計啊！」展覽，來到香港也呼應本地的視覺環境與飲食文化，並配合展期在螢幕牆播放香港版本的委約作品《M+啊！》，雖然這個展很適合親子同來，但坦白講，大人更應該來一次，感受一下：你每天踩過的街道，其實是被人類設計過千百次的舞台。
不過最令我驚喜且一頭栽進去看展就不想出來的，還是只剩一個月展期的「李昢：一九九八年至今的創作」。1964年生於韓國榮州，現居首爾的李昢 （Lee Bul）可能是當今亞洲當代藝術裡，最懂得讓「美」和「不安」同居於一件雕塑的人。
李昢的童年就帶著傷痕，在朴正熙軍事獨裁時期，她家因父母政治立場遭搜查、被迫頻繁遷徙，「總是被提醒，我的生活與他人不同。」她回憶說。李昢早年最著名的作品是她穿著自己縫製的觸手狀軟雕塑，在美術館地板上爬行表演（《渴望》，1987），她把自己的身體變成作品的主體與客體，以對抗那個時代對女性身體和政治異見的雙重壓縮。
從那種血肉疼痛，長出了她最著名的作品《Cyborg／賽博格》系列（1997起）：無頭、無臉的女性有機體，斷肢處長出機械關節與觸手—科幻小說的殼，包裹的是「完美身體的執念＝一種優雅的斷裂」這根刺。
而展覽核心的《Mon grand récit／我的宏大敘事》系列（2005至今），則把她推到另一個尺度：大型建築裝置—白色聚氨酯基座如融化的蛋糕往下淌，上面搭建鋼骨塔體與彎曲高速公路匝道，嵌入水晶與LED。她引用的養分很瘋：布魯諾·陶特幻想的阿爾卑斯玻璃建築、休·費里斯的紐約未來摩天樓、聖索菲亞大教堂的層疊穹頂，這些全是某一個時代對未來最燦爛的想像，而她把它們建成，讓它們「既閃耀又崩塌」。
「我著迷於失敗，也著迷於那些連做夢者自己都知道永遠無法實現的夢想。」她這樣說著。展場另一半的《泊渡／Perdu》系列（珍珠母＋丙烯＋木板，層層打磨出大理石般肌理）則是另一種痛法：珍珠母「從內向外生長、為修復傷口而存在」。李昢把這種美麗可能是痛苦的結果的材質邏輯，變成具體畫面。展覽最後部分則公開約100幅繪圖、草圖與模型，揭示藝術家構思與實現作品的全過程。
這檔展覽由M+與首爾Leeum美術館聯合主辦，是李昢迄今最大規模的回顧展，現場展出超過200件作品，從首爾Leeum巡到M+西展廳——你在香港看到的，是藝術家經過30年「烏托邦↔廢墟」辯證法的完整骨骼。建議你至少留兩小時給這個展，出來後可以去M+大堂透口氣，緩解一下整個靈魂被震撼後的激動情緒。
今年的香港故宮從驚喜連連的古埃及文明大展開始，徹底顛覆眾人印象，同時他們也把故宮文物抽絲剝繭，套上現代科技的殼子，把文物放大到讓人驚異的程度，從而在你心裡留下深刻痕跡。
例如之前的「紋以載道」就以「故宮紋樣」為主題，提取北京故宮宮殿建築、陶瓷、織繡上的紋樣，只要置身其中，就能一眼記住，什麼是粉彩過枝桃樹紋，乾隆款鬥彩勾蓮紋又是什麼模樣，當太和殿的蟠龍從藻井中猛然竄出，遊走在你身邊的那一刻，以往讀過的歷史文字瞬間化為真實。
今年6月登場的全新專題展覽「紫禁城看世界──中外文化交流與互鑒」，展出近130件文物，直接從外交、商貿、科技等領域，重構中外六百餘年的交流史。聽起來很嚴肅，但動畫入口完全打破了刻板印象，讓我追著問：「這動畫是誰做的？」得到的答案是：「就是那位每天自購門票走進北京故宮的人—趙廣超。」
趙廣超的故事跟一般的「故宫專家」完全相反。他早年留學法國讀藝術與建築，目睹西方藝術被捧為「人類終極主流」的傲慢，回到香港後開始逆向去找中國文化之根。上世紀90年代，趙廣超在山東曲阜尋找傳統建築時被其魅力深深吸引，回港後發現連設計系師生都只偏愛西方，對中國傳統建築相當冷感，於是他開始用圖文解構的方式出書：《不只中國木建築》、《筆紙中國畫》、《一章木椅》、《大紫禁城—王者的軸線》等著作，把斗栱、圈椅、長卷，變成設計系學生也會翻的入門書。
2005年起，趙廣超開始自掏腰包每天買票進北京故宮，以遊客身份實地丈量、製作筆記，後來被故宮出版社副院長王亞民「抓到」並邀請合作，從此在故宮度過無數個晨昏，甚至親手量度記錄太和殿大修拆下的「正吻」。
他最著名的「翻譯工程」是《我的家在紫禁城》系列，他找來《麥兜》漫畫的謝立文與麥家碧，用溫暖幽默的語言、長卷式插圖、三字經韻文，把紫禁城變成一家老少都讀得進去的通識童話。
紫禁城看世界展廳入口那組大型動畫，正是由趙廣超及其設計及文化研究工作室製作，先用動畫講「紫禁城與世界各地的交流故事」，再帶你走入展廳。展覽本身的策展手法很聰明：用顏色當導遊：
第一單元紅調把你「塞進」宮廷建築尺度裡，用紅牆＋金瓦的壓迫感，讓你感受權力建築學的真諦，中段轉為乾隆花園通景畫靈感的投影，奇珍異獸在園林中「活」過來，不是跳躍的特效，而是那種「你不小心闖進一幅畫、畫決定留你一會」的自然魅力。
在「數碼康熙帝」互動裝置上，你可以與螢幕上的康熙帝「一起學習」，看一個王朝如何把外來知識當成武器也作為禮物；十三行場景的投影，實境還原清朝時官員檢查樣品、洽談、裝箱的港口流程，讓你懂得：紫禁城的金色回音，有一部分其實是茶葉、瓷器、銀圓在碼頭轉幾手回來後鍍上去的。
香港故宮這檔「沉浸式」體驗展，用動畫帶你走進紫禁城，不是隔著玻璃看，而是從動畫走進文物，發現那隻鳥音籠、那副近視眼鏡、那把提樑壺，其實都是「世界」流進紫禁城後留下的腳印。
香港故宮文化博物館
走這一條藝術密度超高的九龍路線，你會發現城寨光影之所以有力，是因為它回到原址，用回收地磚與花牌把「曾經」壓回你腳底；油麻地警署之所以對味，是因為它不拆真建築，而是讓電影美術指導進去「種」一層假，真假同框才是警匪片本體；M+則把香港能量轉譯成全球當代的聲音、身體與設計語言；而香港故宮把「天下中心」的敘事翻過來，讓你看清王朝如何向世界開窗。
四站加起來，你不是看了四個展覽，而是拿到了通過藝術認識九龍的三把鑰匙：關於生存、關於敘事、關於歷史文明在玻璃櫃外的呼吸。而且你只需要一個下午＋一個晚上就能用腳全部走到，這是只有在香港才能做到的事情。
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